Страх чистого листа.
Откуда берется страх чистого листа, и как с ним бороться.
Друзья, предлагаю сегодня поговорить о знакомой многим проблеме, блокирующей творчество. Это так называемый страх чистого листа.
Чтобы преодолеть этот страх (как и любые другие страхи), нужно прежде всего разобраться, откуда он берется и что скрывается за ним. Большинство наших страхов исчезают в тот момент, когда вы начинаете понимать, что они из себя представляют. В ситуации, когда прямой угрозы нет, пугает иррациональное, а что-то понятное и определенное может, ну разве что, вызывать небольшой дискомфорт. И тот легко преодолевается, если вы знаете причины его возникновения.
В страхе чистого листа я бы выделила 2 аспекта:
- Страх неопределенности;
- Страх, что реальный результат вашей работы не будет соответствовать задуманному.
Давайте разберемся в этом более подробно.
Первое, это страх неопределенности.
Чистый лист — это масса возможностей. Первые мазки могут принадлежать любой картине, вариантов того, во что это может вылиться, слишком много.
Кроме того, сама пустота довлеет, она мешает художнику в работе, привлекая к себе избыточное внимание. Ведь в готовой картине чисто белого цвета или нет вообще, или крайне мало. И расположены белые пятна в строго определенных местах — скорее всего, это блики, которых по определению не может быть очень много. А если белый занимает большую часть изображения?
Поэтому, первая задача — это избавиться от чистого листа (или холста) как можно скорее. Не в смысле сжечь, а в смысле заполнить белые участки.
Если это рисунок, то нанести легкий тон по всей плоскости листа. Не рисовать отдельно предмет, чтобы потом добавить к нему фон, а работать над фоном и предметом одновременно. Создавать среду. Пусть даже сразу нужный тон не получится (так скорее всего и будет), но когда есть хоть какой-то тон, над ним уже можно работать. Где-то усиливать, где-то высветлять. При этом страха белого листа вы уже не испытываете, ввиду отсутствия предмета страха. Просто работаете.
В живописи первая стадия работы — это подмалевок. Задача та же: закрыть всю поверхность. То есть, первоначально вы находите место основных цветовых пятен, их взаимное расположение. Подмалевок может выглядеть как витраж из крупных фрагментов. Объем, детали, рефлексы появляются на следующей стадии работы.
Когда я училась, преподаватели не подходили и не давали советов, пока лист не был заполнен. Просит человек: «Посмотрите», ему отвечают: «Тут еще не о чем говорить. Закрой все белые пятна». И правильно делали. Потому что когда все белые пятна пропадали, вместе с ними часто пропадали и многие вопросы. Как-то понятней становилось, что делать дальше.
Если краски требуют грунтованной основы, многие художники используют цветной грунт. Часто просто маслом, оставшимся на палитре, грунтуют свежий холст на будущее. А иногда даже берут за основу готовую, но не слишком удавшуюся картину. Переворачивают ее вверх тормашками и пишут поверх что-то новенькое. Тогда пустоты и неопределенности нет изначально, зато есть множество зацепок для будущей работы.
Другой аспект проблемы, — это страх, что реальный результат вашей работы не будет соответствовать задуманному.
Если вам знакомо это чувство, могу вас «обнадежить». Готовая картина всегда будет отличаться от идеального образа в голове. Это просто неизбежно.
Хотя бы потому, что в воображении вы видите идеальный образ. Он существует только в вашей голове, даже если вы рисуете с натуры, вы имеете дело с той картинкой, которую формирует ваш мозг. Можно сказать, что это информация в чистом виде.
А для передачи образа художественными средствами, ваш результат зависит не в последнюю от материалов, которые вы используете. И тут полно подводных камней. Акварель течет не туда, куда следует, бумага коробится, гуашь меняет цвет после высыхания. Масло, случайно оставшееся на кисти от предыдущего замеса, вылезает неожиданным пятном, и вы тратите массу усилий на то, чтобы его убрать. Некоторые краски при смешивании образуют жуткую грязь вместо чистого цвета.
В общем, нередко работа художника — это борьба с материалом, управляемая желанием выжать из имеющихся красок необходимый результат, несмотря на их очевидное сопротивление.
Я, конечно, немножко утрирую. Но в целом ситуация складывается примерно таким образом, особенно для начинающих художников. Если это сопротивление материала не преодолеть, легко опустить руки, решив, что раз ничего не получается, то проблема во мне. Руки у меня крюки, а таланта вообще нет.
Но что, если посмотреть на живопись как на игру? Что нужно, чтобы победить?
В первую очередь, мне кажется, стоит присмотреться к сопернику повнимательнее. Изучить его сильные и слабые стороны, понять, на что он способен, а чего ему не дано.
В художественных Вузах курс цветоведения является обязательным. Во-первых, потому что он закладывает теоретическую основу для работы с цветом, во-вторых, потому что выполняя на занятиях бесчисленные выкраски, студенты изучают свойства материала, учатся понимать краски и приспосабливаются к ним.
Потому что теоретические представления часто не согласуются с тем, что выходит на практике. Пример: кажется, будто для того, чтобы получить промежуточный цвет между двумя какими-либо цветами, нужно смешать 2 краски в пропорции один к одному. Например, красный + желтый =оранжевый.
А на практике оказывается, что один из пигментов «забивает» другой, и этой краски нужно добавлять чуть меньше. Или на палитре цвет смотрится идеально, а на бумаге после высыхания блекнет (или наоборот, темнеет). И для того, чтобы просто смешать всего 2 краски, но с предсказуемым результатом, уже нужен некоторый опыт.
Если приступить сразу к живописному полотну, без предварительной подготовки, которую дает курс цветоведения, легко впасть в отчаяние, столкнувшись с неизбежными трудностями технического плана.
А трудности в каждом материале свои. Акварель ведет себя не так, как гуашь, а гуашь не так, как масло. Различаются свойства одной и той же краски, выпущенной разными производителями. И важно понимать, что неудачи — это не обязательно следствие нашей бездарности (как мы все склонны считать в приступе пессимизма). Они вполне могут быть результатом недостаточного знакомства с материалом. Лечится это, как вы, наверное, догадываетесь, только практикой.
Это объективное объяснение тому, что готовая картина будет скорее всего отличаться от замысла.
Но есть еще другая сторона вопроса, субъективная, связанная с личным восприятием.
Художники крайне редко бывают на 100% довольны своей работой, даже когда всем остальным кажется, что все в порядке. Замысел — вещь тонкая, не так легко поймать образ, который существует только у вас в голове.
Картину «Демон поверженный» Михаил Врубель многократно писал и переписывал, порой простаивая у мольберта по 20 часов в день. Уже на выставке, прямо в зале, он несколько раз менял образ, подходя к работе в утренние часы, пока было мало зрителей. Воплощение этого сюжета далось художнику крайне тяжело…
Конечно, такая одержимость — крайний случай, я привожу эту историю как наиболее выразительный пример того, что автор всегда предъявляет к своей работе самые высокие требования. Идеальный образ, к которому он стремится, это что-то вроде морковки, подвешенной перед мордой осла и заставляющей его бежать вперед. Вы уж извините меня за такую метафору…
Но в то же время, недовольство собой — это то, что позволяет художнику расти и совершенствоваться. Кажется, что если в этот раз что-то не вышло так, как было задумано, то в следующий раз получится наверняка. И действительно, с каждой новой картиной мастерство возрастает. Впрочем, растут и требования к себе.
Но представьте себе, если бы этого чувства не было? Вообразите художника, написавшего идеальное, с его точки зрения, полотно. Куда двигаться дальше? Он всего уже достиг, остается только почивать на лаврах. А попытки создать что-то еще будут блокироваться страхом, что в этот раз так хорошо уже не получится.
Нужен ли вам такой идеал?
Не бойтесь совершенства. Вам его не достичь. Тем более, что в совершенстве нет ничего хорошего.
Итак, для преодоления страха чистого листа необходимы всего 3 вещи:
- Проходить стадию чистого листа как можно быстрее, накладывая карандашный тон или делая подмалевок, избавляясь от белых «провалов»;
- Изучать свойства материалов — не теоретически, а на практике. И тогда будет проще ими управлять.
- Принять как факт мысль, что законченная работа будет скорее всего отличаться от идеального образа в голове. И если испытываете неудовлетворенность от того, что получилось, будьте благодарны этому чувству. Именно оно толкает нас вперед и позволяет расти и развиваться.
Надеюсь, что моя статья поможет вам разобраться с этим страхом!
Буду благодарна, если вы поделитесь этой записью в соцсетях (кнопки ниже).
Удачи вам и творческих успехов.
Профиль в Google+
Ваш отзыв